El Poder Del Arte (Documental Pablo Picasso)

  Éste documental trata de explicar las obras de Picasso, el objetivo que tenían cada una de sus obras y el principal motivo de su realización. Picasso fue considerado un pintor del movimiento cubista pero la verdad es que tuvo muchas facetas a lo largo de su trayectoria como pintor.

Se dice que Francisco Goya fue uno de los principales apoyos de Pablo Picasso ya que el fue uno de los primeros de su época en plasmar sus sentimientos y emociones en sus obras de arte.

Picasso plasmo todo lo que el sentía en sus obras, fue una persona que tuvo muchas relaciones amorosas, esto lo llevo a crear distintas obras de arte, en relación con sus amantes.

Como opinión puedo decir que al estudiar un poco mas a fondo las obras de Picasso podemos entender que tienen mas sentido que las simples lineas que cualquier gente podría ver en sus trazos, necesitas ver sus obras con otros ojos para poder entender realmente lo que el quiere dar a expresar, como los colores que utiliza, las formas y las figuras que plasma.

HISTORIA DEL CONCEPTO DE BELLEZA

A)   GRECIA CLÁSICA:

En ésta época surge la idea de lo sublime  como atributo de la belleza, idea desarrollada 

por LONGINO (filósofo). SUBLIME = Es aquello que forma parte de una obra, de un 

objeto o de una situación y que nos impacta, persuade, convence, estremece sin saber 

exactamente porque, va mas allá de lo razonable y de lo objetivo)

Nombre común de las cosas bellas y que tenían una armonía en sus proporciones por lo     se percibía desde un punto de vista objetivo.

la belleza era tanto la natural como la de un objeto hecho por el hombre, si bien no tenía una definición clara y se asociaba generalmente con otras cualidades:

·         Lo bello es lo que gusta, lo que resulta grato a la mirada del espectador

·         La belleza produce placer-bondad-justo-verdadero)

·         Es producto  de un orden que se da en la naturaleza, de ahi se origina el principio de equilibrio y proporcionalidad, y los griegos descubren la Sección Aurea.

·         La belleza es una idealización de la naturaleza y de la figura humana.

·         Para Sócrates la belleza incluye la parte espiritual, es cuerpo y alma.

·         Para Platón la belleza tiene que ver con la armonia y el origen de la belleza está en las ideas como entidades que existen más alla de la realidad.

B)   MEDIEVO ( SIGLO IV-XV)

La belleza dependía de la intervención de Dios. De modo que, si se consideraba bello algo, es porque había sido una creación divina. De ahí que se distinguiese entre la belleza material, externa y que se marchita con el tiempo, y la espiritual, la interior y permanente como la bondad, el amor, la simpatía, etc. la belleza está al servicio de la revelación, sirve para expresar las verdades cristianas. El arte medieval se vio influido por la inmaterialidad de Plotino: para los autores medievales la belleza está en la expresión, no en las formas, es una estética subjetiva.

C)   RENACIMIENTO

Formas redondeadas y voluminosas, exponiendo la belleza femenina robusta y adiposa. Se cree que esta forma se debe al esfuerzo que se requería para conseguir una buena alimentación. Esto se puede ver representado en las esculturas que existieron en esta época.

Leonardo da Vinci dedicó buena parte de su Tratado de pintura a expresar las proporciones más armónicas entre todas las partes del cuerpo con el "hombre de Vitruvio". En él, el ombligo era el punto central natural del cuerpo humano y el centro de la circunferencia y del cuadrado en el que se inscribe el cuerpo del hombre extendido. En este dibujo representa las proporciones que podían establecerse en el cuerpo humano, la proporción áurea que viene representada por el número 1’618. Esta proporción refleja la máxima belleza y perfección, es decir la belleza divina. El rectángulo asociado se denomina áureo. Para Leonardo, el hombre era el modelo del universo y lo más importante era vincular lo que descubría en el interior del cuerpo humano con lo que observaba en la naturaleza.

a belleza oscila entre una concepción realista de imitación de la naturaleza y una visión ideal de perfección sobrenatural, siendo el mundo visible el camino para ascender a una dimensión suprasensible.

D)   SIGLO XVII-XVIII

Tres clases de belleza: «esencial», que es objetiva al estar por encima de cualquier consideración humana; «natural», igualmente objetiva pero a nivel humano, aunque ajena a opiniones de gusto; y «arbitraria», que es subjetiva y relativa

Denis Diderot definió la belleza como lo siguiente: belleza como la percepción de las relaciones, dependiente de la visión personal, negando una belleza absoluta, normativa. Su estética fluctuaba entre una búsqueda de reglas racionales y un sensualismo de valores subjetivos, basándose en las sensaciones, las emociones.

E)   SIGLO XIX ( ROMANTICISMO)

La belleza es la verdad. La belleza viene de los sentimientos y las pasiones, y como nosotros tenemos nuestros sentimientos y pasiones particulares, así también tenemos nuestras bellezas particulares..., por tanto, la belleza absoluta no existe, en todo caso ella no es más que una abstracción espumada de la superficie general de las bellezas diversas y particulares” (Charles Baudelaire). Así, la belleza para el romanticismo estaba entonces en la capacidad expresiva e individual del artista, la belleza de su obra estaba determinada por la intensidad del gesto de los sentimientos: una obra era más bella si los sentimientos expresados eran más intensos

el concepto de belleza se alejó de cánones clásicos, reivindicando la belleza ambigua, que acepta aspectos como lo grotesco y lo macabro, que no suponen la negación de la belleza, sino su otra cara

F)   EPOCA MODERNA ( SIGLO XX)

        Por otro lado, las nuevas tecnologías hacen que el arte cambie de función, ya que 

la fotografía y el cine ya se encargan de plasmar la realidad. Todos estos factores 

produjeron la génesis del arte abstracto, donde el artista ya no intenta reflejar la 

realidad, sino su mundo interior, expresar sus sentimientos.

El arte contemporáneo está íntimamente ligado a la sociedad, a la evolución de los 

conceptos sociales, como el mecanicismo y la desvalorización del tiempo y la 

belleza. Es un arte que destaca por su instantaniedad, necesita poco tiempo de 

percepción. El kitsch, la nueva categoría estética surgida en el siglo XX, es la 

esencia de la fealdad, una copia de un objeto clásico sometida a retoques y 

exigencias de la mediocridad; es consumista, efímero, mecánico.

El guernica de Picasso

Una de las obras mas emblemáticas de Pablo Picasso, El Guernica creada en 1931, pintura que exclama libertad, que muestra sentimientos encontrados por las guerras que se dieron en ese tiempo en diferentes países en Europa , una pintura oscura mostrando sentimientos de dolor, pena, angustia.

Picasso realizo esta obra como una forma de expresar lo que sentía en esa época de conflictos, tras un bombardeo de las fuerzas armadas alemanas que dio como inicio la Guerra Civil española. 

Se dice que cada uno de los elementos plasmados por Picasso tienen diferentes significados:

Contemplando la obra de derecha a izquierda puedes ver una mujer desesperada, gritando de dolor dentro de una casa que se derrumba y arde. A su izquierda dos mujeres más, la de la parte superior asoma por una ventana y porta en su mano una lámpara, la luz de la verdad , que ilumina los estragos producidos por la barbarie. La de la parte inferior sale de la casa arrastrándose en su agonía. En el centro de la composición se encuentra el caballo, retorcido sobre sí mismo y mostrándonos una espuela; su boca abierta y su lengua-lanza demuestran su excitación ante los acontecimientos. Justo encima está el sol, empequeñecido, en forma oval y con una bombilla en su centro como si el humo del bombardeo hubiese contraído el astro rey y la única fuente de iluminación tuviese que ser artificial. Un poco a la izquierda un pájaro agita las alas y clama al cielo desesperado como si pidiese inútilmente una explicación para lo acontecido. Bajo las patas del caballo yace el guerrero muerto, su mano todavía sujeta una espada rota.

En el extremo izquierdo, un toro contempla la escena sorprendido y desconcertado y, a su lado una visión terrible: una madre abrumada por el dolor lleva en sus brazos el cuerpecito de su hijo muerto mientras mira al cielo rota por el dolor y la pena.

Picasso renuncia al color para acentuar el dramatismo y sólo utiliza la gama de grises, el blanco y el negro, es lo que en arte se denomina grisalla.

Es un cuadro “sonoro”, los personajes gritan, gesticulan y mueren bajo las bombas ciegas que con todo acaban. La denuncia de la violencia es aquí intemporal y ha sido siempre utilizada como un canto contra la sinrazón de la destrucción y la muerte en cualquier guerra. Picasso pinta a las cuatro mujeres en actitudes desesperadas, son la población civil indefensa, pero también al militar caído en la defensa y a los animales, ajenos a la locura humana.

Una característica que el autor utiliza con frecuencia es la representación simultánea de varios planos en los rostros, como si los viésemos a la vez de frente y de perfil, de ahí un ojo diferente del otro, produciendo una visión globalizadora.

Técnicamente el Guernica tiene rasgos cubistas (reduce las formas naturales a formas geométricas) pero también emplea el expresionismo en los gestos extremos de los personajes y una gran pureza y definición de líneas que nos recuerda el neoclasicismo.